hisoire du pastel

 

 
 

A la découverte du pastel

 

 


Le pastel : Qu'est-ce que c'est?

Le pastel est un bâtonnet de couleur ressemblant à un bâton de craie. A l'aide de ce bâtonnet, le pastelliste obtient deux résultats : Soit un dessin, s'il l'utilise comme un crayon, soit une peinture dans la mesure où il en imite l'effet en recouvrant entièrement le papier.

Le pastel est donc une technique riche. Agréable, également, puisqu'il s'agit de s'exprimer directement sur le support à l'aide du bâtonnet sans avoir recours à un intermédiaire comme par exemple de l'eau, un pinceau, une palette.

De plus, le bâtonnet de pastel étant composé de pigments seulement agglomérés à du talc et de l'eau gommée, les coloris d'un pastel résistent à l'épreuve du temps.

 

 

L'âge d'or du pastel

 

 

 

 

La technique du pastel

Le pastel est une technique à part dans le domaine de l'art graphique. Par la pression d'un

bâtonnet, composé de poudre de couleur agglomérée, sur une feuille de papier, le pastelliste

obtient deux résultats. Soit un dessin, s'il frotte le bâtonnet sur le support, soit une peinture,

dans la mesure où il en imite l'effet en recouvrant entièrement le support.


Pas d'intermédiaire (eau, brosse, palette...) dans ce corps à corps entre l'artiste et son

œuvre qui ne vienne distraire l'inspiration, mais le risque d'improviser l'alchimie des couleurs directement sur le sujet, et la joie de s'engager dans une aventure, magique, de l'esprit.


 

 

Origines historiques

Cette technique est mise au point à la Renaissance en France et en Italie (latin "pasta" = pâte)

pour rehausser les dessins exécutés à la pierre noire, à la craie ou à la sanguine : cf.

le portrait d'Isabelle d'Este par Léonard de Vinci (1452-1519) ou les portraits par Jean Cluoet (1480-1541).


Mais sous une forme plus rudimentaire, le pastel a toujours existé. Les peintures réalisées à

l'aide de terres ocre rouge ou ocre jaune, ornant les parois des grottes préhistoriques ne

sont-elles pas déjà du pastel? A savoir une poudre composée de pigments de couleur à l'état pur.


Or, dans les autres procédés picturaux intervient un medium (l'huile par exemple) qui

participe à la transformation des tonalités de l'œuvre en vieillissant. En revanche, les coloris

du pastel, matériau direct, restent intenses au fil du temps.


Est-ce pour les qualités d'originalité du procédé et de fidélité du matériau que du règne de

Louis XIV à celui de Louis XVI de nombreux artistes choisissent d'exploiter cette technique?


Il sera intéressant d'analyser comment le "siècle des Lumières" qui se passionne pour

toutes les découvertes, dévoile les sortilèges secrets du pastel et pourquoi cet art tombe

en désuétude au siècle suivant.


 

 

L'âge d'or du pastel

En 1665 le pastel fait partie des épreuves d'entrée à l'Académie de peinture et devient

ainsi officiellement l'égal de la peinture, de la sculpture et de la gravure. Il connaît alors

un tel engouement, essentiellement dans le genre du portrait, que non seulement il rivalise

avec la peinture à l'huile, mais il lui est souvent préféré.


D'une part, il sait rendre avec brio les effets de matières : les riches étoffes, la carnation

des visages, l'aspect poudré des perruques. D'autre part, sa texture éthérée convient

parfaitement pour traduire la légèreté, l'élégance, le côté brillant de l'esprit français.


Cette poudre veloutée définit parfaitement un monde clos, ouaté, privilégié, qui, protégé

par la surface laquée d'une vitre devient inaccessible, aristocratiquement coupé de l'extérieur.


Ainsi, du portrait officiel en apparat, au portrait plus spontané, en passant par le portrait

allégorique ou mythologique, toutes les tendances seront brillamment représentées par

de grands pastellistes et l'on appellera cette époque "L'âge d'or du pastel".


Voici en illustration quelques noms qui ont contribué a cette renommée. Les œuvres

citées se trouvent, sauf mention contraire, au Cabinet des Dessins du Musée du Louvre.

(La plupart des tableaux du XVIIIème siècle mentionnés faisaient partie de l'exposition de

pastels du Louvre de la fin de l'été 1985)


 

 

Les grands pastellistes

Charles Le Brun (1619-1690) utilise le pastel dans ses croquis préparatoires pour le portrait

de Louis XIV. Ses études de physionomie aux tons ocres, aux traits sobres, vigoureusement esquissées,

étonnent par leur charge de vérité instantanée.


Avec Robert Nanteuil (1623-1678), portraitiste de la Cour de Louis XIV, la technique du

pastel se perfectionne : les portraits deviennent puissamment expressifs. Comme il

envisageait de les reproduire au burin, le modelé du visage est ferme, le regard aigu.


Ses portraits de magistrats sont graves. Seul, le portrait primesautier de Madame de

Sévigné, (Musée Carnavalet) coiffée à la "hurluberlu", le teint de nacre souligné par les

tons mordorés de la robe, apporte une note de fantaisie dans la production de Nanteuil

et ouvre les portes aux raffinements du XVIIIème siècle.


 

 

Joseph Vivien et son école

Joseph Vivien (1657-1735), reçu à l'Académie en 1701 en tant que "peintre en pastel",

inaugure le genre du portrait académique; soit, se découpant sur un décor fermé,

un portrait solennel à mi-corps, dans des harmonies de gris bleu aux touches fondues et estompées.


Les ocres et les rouges sourds du XVIIème siècle cèdent le pas aux bleus qui seront exaltés

tout au long de ce XVIIIème siècle de séduction; le pastel se prêtant, dans cette couleur,

aux plus beaux effets.


Vivien fait école jusqu'à la fin du siècle : Adélaïde Labille-Guiard (1749-1803) représente

son mari, le peintre Vincent, posant en habit de velours sur un fond neutre. Elle peint les Académiciens. Le Cabinet des Dessins du Musée Fabre possède un tableau de cette série - l

e portrait du peintre Joseph Marie Vivien.


Il est à noter que par sa délicatesse, le pastel exacerbe le coté féminin de la sensibilité,

se prête à l'expression des sentiments passagers; ainsi de nombreuses femmes s'illustreront

dans cet art et, pour la première fois dans l'Histoire, laisseront leur nom dans le domaine de la peinture.


 

 

Rosalba Carriera

Rosalba Carriera (1675-1757), pastelliste vénitienne, introduit en France le portrait de charme

dans une suave palette de rose et de bleu qui influencera Jean-Marc Nattier (1685-1766) et

François Boucher (1703-1770) et lancera la mode du portrait féminin; visage gracieux, douces rondeurs, "carnation de tubéreuse".


Ces tableaux sont de tous petits formats, pratiques pour emporter en voyage et faire connaître les traits d'une jeune aristocrate. (Galeries de L'Académie, Ca Rezzonico à Venise)


 

 

Maurice Quentin de La Tour

Enfin cette tradition du portrait est sublimée par le portraitiste de la Cour de Louis XV, Maurice Quentin de La Tour (1704-1788), qui se consacre entièrement au pastel et lui donne ses

lettres de noblesse.


Très respectueux de cette technique, il exécute, comme il est courant pour une toile,

plusieurs croquis préparatoires pour un même portrait. Un dessin aigu et juste, des prouesses

dans le trompe-l’œil, une savante alchimie des fondus et des modèles avec des parties

estompées, rehaussées de traits fermes, des compositions d'une grande aisance, des formats

hardis prodiguent à ses portraits grandeur et magnificence.


"Singulier génie à peindre le métier, l'état, le caractère social de ses personnages" disaient de

lui les frères Goncourt. En effet, chaque portrait rayonne d'une aura spécifique: le maréchal

la majesté, l'encyclopédiste Jean le Rond d'Alembert semble incarner l'esprit du siècle dans l'expression spirituelle de son visage.


Comme le souligne Charles Blanc, critique d'Art, "Dans ses portraits les yeux brillent,

les cheveux se soulèvent, les narines respirent, le front pense".


Avec le somptueux portrait de la marquise de Pompadour, représentée en allégorie des

Arts et des Sciences, Quentin de La Tour parvient à la quintessence de l'art du pastel.

Exceptionnel par sa taille, son faste, son message, ce tableau dominait les autres lors de

l'exposition de 1985 par sa brillance bleutée rayonnant comme un supplément d'âme.

Les satins, velours, ors, boiseries, tapisseries traduits avec virtuosité auraient pu surcharger

de cette œuvre équilibre, finesse, justesse, légèreté, toutes qualités du génie français. Sans

compter l'étonnement supplémentaire dû aux stratagèmes invisibles employés par l'artiste;

comme par exemple la tête du modèle travaillée à part et délicatement reportée sur la

composition d'ensemble.


 

 

Jean-Baptiste Perroneau

Jean-Baptiste Perronneau (1715-1783) est le rival de Quentin de La Tour, mais il s'adresse

à une clientèle différente, composée essentiellement de bourgeois.


Ses portraits perdent en majesté, mais gagnent en spontanéité. Le trait est nerveux, à la

manière d'un Fragonnard - une lumière insolite dorée ou vert de gris cerne les visages.

Les coloris sont audacieux, le grenat jouxte le jaune dans le portrait du manufacturier hollandais Josse Van Robais, le bleu joue avec le vert dans le tableau intitulé "La Petite Fille au chat".


 

 

Joseph Boze

Cette grande liberté s'exerce aussi chez Joseph Boze (1745-1826) mais dans un registre

naturaliste. Dans son autoportrait, l'épiderme accidenté du visage contraste avec la veste de

satin lisse et le jabot de dentelle fine, traités avec beaucoup de maestria, dans le style précieux

et raffiné devenu à présent classique depuis Vivien.


Le portrait de sa femme est également très touchant : le bras droit qui s'étale en diagonale

dans la largeur du tableau est resté à l'état d'esquisse ainsi que la robe. Ce tableau conjugue

à lui seul la gamme des possibilités offertes par le pastel : de la fraîcheur de l'esquisse à la

qualité d'une peinture accomplie.


 

 

Chardin et Liotard

Cependant grâce à l'apport de deux pastellistes marginaux qui ont beaucoup innové, Chardin

et Liotard, le portrait sort de son stéréotype élégant et distant, et le pastel dépasse le cadre du portrait pour s'orienter vers d'autres thèmes.


Chez Jean-Baptiste Chardin (1699-1779) le portrait devient intimiste. L'artiste se représente

dans son atelier coiffé d'un simple foulard, interrogeant le spectateur du regard. Si Quentin

de La Tour s'attache à l'étude du contour du visage, Chardin privilégie la matière, par un

procédé de division de la touche de couleur.


Ce travail aux petits traits appuyés et superposés qui soulève le papier par endroits, donne

une impression de solidité et de profondeur qui change de l'effet précieux de l'estompe et

annonce les Impressionnistes.


Avec Jean-Etienne Liotard (1702-1789), peintre genevois, la matière se fait lisse comme

le marbre poli et chaleureuse comme la laine (effets peut-être dus en partie au parchemin

utilisé comme support). Les portraits ne sont pas académiques, les personnages marchent, réfléchissent. En outre, certaines de ses compositions sont excentriques.


Son autoportrait de profil, situé à l'angle gauche du tableau "Vue de Genève de la maison de l'artiste" (Rijksmuseum à Amsterdam) rappelle les compositions des Primitifs. En revanche,

la perspective déformée d'une table dans la nature morte: "Poires et prunes sur un torchon"

(Musée d'Art et d'Histoire de Genève) annonce des peintres modernes comme Cézanne.


Avec Liotard le pastel prend une dimension universelle; Il n'appartient plus à une époque mais

fait la symbiose entre le patrimoine du passé et celui de l'avenir.


 

 

 

 

L'apothéose du pastel

Dynamisé par ces maîtres, le pastel est très en vogue au XVIIIème siècle. La bourgeoisie, les officiers, les magistrats se font peindre au pastel; certains révolutionnaires également.


On peut voir au Musée Carnavalet les portraits de Buzot par Jean-François Garneray

(1755-1837), de Barnavé par Boze, de Barère, Pétion, Saint-Just; un petit portrait d'Eléonore

Duplay l'amie serviable de Robespierre. Sophie de Grouchy, femme d'esprit, mariée au marquis

de Condorcet, peint son autoportrait (Collection particulière de Madame de La Tour du Pin)


Le pastel est devenu le moyen courant de se faire portraiturer et beaucoup d'amateurs

l'utilisent. Le Musée Fabre avait consacré son exposition trimestrielle du printemps 1991 à

un accrochage des pastels du Cabinet des Dessins : pour la plupart des portraits de l'Ecole

Française du XVIIIème siècle, à la facture assez naïve. En outre, on pouvait voir un petit

pastel hexagonal de Delacroix (1798-1863) représentant Michel Ange et son génie, ainsi

qu'un pastel de Caillebotte (1848-1894) et de Vuillard (1867-1940)


 

 

 

 

Le pastel tombe en désuétude

Mais ce monde des "Lumières" touche à sa fin. Perronneau, Liotard, La Tour meurent à la veille

de la Révolution Française. La perfection a été atteinte avec eux.


La Révolution bouleverse la société et ce changement se reflète inévitablement dans les arts.

Le pastel est au nombre des "suspects". Il a été l'apanage de l'aristocratie, or tout ce qui

rappelle l'ancien régime est banni. Les artistes officiels de la Cour sont inquiétés. Boze est emprisonné à la Conciergerie en 1793. Elizabeth Vigée-Lebrun (1755-1842), se réfugie à

Vienne.

Changement dans la mode vestimentaire également : le costume masculin qui marquait la

différence de classe, et dont les pastellistes avaient su rendre le faste, devient moins décoratif. Perruques et rubans sont jugés réactionnaires et notamment l'emploi de la poudre sur les

perruques est considéré comme antisocial, la farine nécessaire à la fabrication de la poudre

devant servir à nourrir le peuple!


Sur un plan tout à fait symbolique la chute des perruques poudrées entraine celle des tableaux

poudrés. La peinture a l'huile revient en force. Démodé, le portrait au pastel de Marie-Antoinette

dans ses vaporeux atours par Madame Vigée-Lebrun. Au goût du jour, la rigueur antique du

style néoclassique.

L'éclatant portrait de Madame de Pompadour contraste avec celui de Madame Récamier

immortalisée par David dans un décor strict. Comme si la grâce seyait à la Royauté et la sévérité

à l'Empire.

 

 

 

 

Le pastel au XIXème siècle

Au début du XIXème siècle le règne du pastel est révolu. (Il semble qu'il s'impose à chaque

période d'explosion culturelle : Renaissance, Siècle des Lumières). Il perd de sa force pour le portrait, et redevient essentiellement un moyen d'appoint pour les études préparatoires.


Les Impressionnistes toutefois gardent la tradition du portrait, traité superbement, mais dans

un registre intimiste. Ils utilisent le pastel ponctuellement sur le motif pour des notations rapides

de lumière, des effets de mouvement; les Abstraits s'en servent pour des recherches d'ordre graphique.

En filigrane cependant il continue à être expérimenté par des esprits curieux. Eugène Delacroix introduit les thèmes du Nu et du paysage. Edgar Degas (1834-1917) teste le matériau, le forge,

le malaxe, le marie à d'autres techniques.

Les Symbolistes l'utilisent pour ses qualités de flou, générateur d'une lumière diffuse apte à

créer le mystère. Ainsi Odilon Redon (1840-1916) dépasse la réalité et suggère un monde

intérieur. Au Musée d'Orsay, ses œuvres installées dans la pénombre d'une alcôve tendue de

noir, effleurées d'un pâle éclairage, offrent les vibrations colorées des ailes de papillon et incitent

au recueillement.

 

 

 

 

La redécouverte du pastel

C'est ce besoin d'intériorité qui vaut peut-être au pastel d'être redécouvert de nos jours. Le XVIIIème siècle, sûr de lui, brillant, a fait du pastel un virtuose de l'esprit. Notre époque de

doute aurait tendance à exploiter son côté fugace, trouble, pour explorer en profondeur les méandres de l'inconscient.

Enrichi des nombreuses expériences du passé, il offre des possibilités infinies aux nouveaux pastellistes. Des couleurs les plus violentes (Pastels expressionnistes de Lydie Arickx, acides

de François Barbatre) aux tons les plus doux et complexes (Sam Szafran, Pierre Skira) des techniques du dessin à celles de la peinture, toutes les audaces sont permises.

Et il semblerait qu'il soit appelé à une renaissance dans notre ère d'images virtuelles où il

perpétue le nécessaire contact de la main de l'homme en prise directe sur la matière.